49 Concha Pascual

(The English version of this interview is provided below the Spanish version.)

Todas las imágenes © Concha Pascual , todos los derechos reservados. Usados con autorización.

En esta entrega, exploraremos el trabajo de Concha Pascual, una apasionada fotógrafa que ha emergido con fuerza en la escena artística, desafiando convenciones y capturando emociones con una intensidad única. Con su cuerpo como lienzo y modelo y el blanco y negro como su paleta principal, esta artista nos sumerge en un universo de simbolismo y misterio. Cada fotografía se convierte en una ventana hacia nuestro propio interior, invitándonos a reflexionar y conectar con su visión profundamente personal.

Acompáñanos mientras desentrañamos el misterio y la belleza de estas imágenes que desafían los límites de lo real    y nos invitan a reflexionar sobre la intersección entre la fotografía, el arte y la interpretación individual.

Entrevista

¿Qué te decidió a elegir la fotografía como medio para transmitir tus emociones?

Siempre me ha gustado la fotografía como mera observadora    y mi vida, por distintas razones, ha estado ligada a ella. Muy joven vi por primera vez cómo aparecía una imagen en la cubeta del revelador y me pareció algo mágico. Cuando empecé a formarme en fotografía lo hice muy convencida y a medida que me adentraba en este mundo me daba cuenta de las posibilidades que tenía como lenguaje. Me sentí cómoda y enseguida empecé a hacer series y a utilizar la narrativa visual para expresarme a través de ella.

¿Qué te llevó a elegir el autorretrato como medio de expresión en tu obra fotográfica?

Todo empezó como un juego, un juego que me divertía. Es un poco como hacer teatro. Piensas qué quieres contar, cómo lo quieres contar y luego actúas. Entiendo que se consideren autorretratos puesto que soy yo la que sale en las imágenes, pero podía ser perfectamente otra persona. Me decidí por esta fórmula porque me lo paso bien y es muy práctico, no dependo de otras personas y me gusta el trabajo en solitario. Cuando hago las fotografías sé lo que quiero y cuando las ideas no funcionan bien y tengo    que parar, improvisar, reflexionar…, trabajar de este modo me lo facilita.

¿Cuáles son los desafíos y ventajas de trabajar con autorretratos en comparación con la fotografía de sujetos externos?

Como he comentado la mayor ventaja es que no necesito a otras personas. Y sí, a veces es complicado, pero siempre me lo tomo como un reto. Me resulta apasionante buscar soluciones para resolver dudas, problemas, etc. De hecho, es cuando a veces encuentro soluciones que ni me había planteado y de las que surgen nuevas ideas para desarrollar en otros proyectos. De manera que podría decir que casi todo son ventajas.

¿Qué efectos tiene en ti el hacer público una narrativa visual de tu vida?

En ningún caso efectos negativos. Es verdad que cuento en imágenes experiencias vividas, pero no trato, ni mucho menos, de que mi trabajo sea una autobiografía en imágenes. De hecho, no lo es.

¿Cómo te sientes al ser tanto la fotógrafa como el sujeto de tus propias imágenes?

Creo que la respuesta la podría enlazar con las respuestas anteriores. Añadiré que me siento bien porque me llena, disfruto mucho haciendo la fotografía que hago. Todo tiene un carácter lúdico.

¿Qué papel juega la autorreflexión en tu proceso creativo?

Un papel importante. Pienso en una idea, con frecuencia experiencias vividas. Valoro si la quiero contar, intento ver las posibilidades que tiene, trato de visualizar el resultado final. Si me decido, me planteo ya cómo hacerlo, en qué momento, qué necesito…A veces leyendo encuentro ideas para llevar a cabo y me quedo pensando en sus posibilidades y en cómo las podría materializar. Cuando la idea viene de este modo la apunto en una libreta y la dibujo. Viene muy bien tenerla siempre a mano y mejor aún acudir a ella de vez en cuando.

Los símbolos presentes en tu obra pueden tener múltiples capas de significado, ¿cómo crees que afecta a la interpretación por parte del espectador?

Es difícil saberlo, no sé cómo piensan los demás y no todos pensamos igual, afortunadamente. Supongo que cuando miras una fotografía y te paras a interpretarla, que sería lo deseable, influyen las experiencias vitales de las personas que la observan. Sinceramente yo me concentro en lo que quiero expresar y transmitir y me encantaría que el observador hiciera su propia lectura, que no tiene por que coincidir con la mía.

¿Cuál es el proceso creativo que sigues al planificar y realizar tus fotografías?

No me complico mucho. Mentalmente decido la idea y cómo llevarla a cabo. Mis fotografías son sencillas de realizar. Preparo    un simple escenario y casi siempre con la luz natural que me proporciona una gran ventana. Me interesa mucho las diferentes atmósferas que se consiguen dependiendo de la hora y el día que hace. La parte complicada viene luego en la postproducción. No siempre sale a la primera lo que tu imaginación ha visualizado. A esta fase del proceso le dedico más tiempo. Otra manera de planificar y realizar imágenes, por ejemplo los  dípticos, viene de hacer ejercicios como juntar fotografías en las que veo conexiones, bien sean temáticas o estéticas. A veces, me llevan a lugares que ni me había imaginado. Creo que también juega un papel muy importante la intuición.

En cuanto a los quimigramas, parte importante de mi producción, es muy sorprendente que con un simple papel fotosensible y los químicos se puedan crear composiciones abstractas, a veces algo figurativas y que se basan fundamentalmente en el azar y cuyo resultado es imprevisible,    esto es lo que lo hace realmente interesante. Me gusta mucho experimentar con diferentes productos y materiales.

¿Cuál es el sentimiento o idea que subyace como hilo conductor en tu trabajo?

Son varios los sentimientos y las ideas, muchos    son entorno a mi existencia, a mi relación con la vida,    Hay ideas que las sé explicar mejor con imágenes que con palabras.

¿Cómo consideras que el blanco y negro afecta la interpretación y la emocionalidad de tus imágenes en comparación con la fotografía en color?

En general creo que es más fácil captar la idea o el mensaje si la fotografía    es en blanco y negro, porque el color muchas veces    distrae. El blanco y negro es más expresivo, tiene más fuerza y aporta una atmósfera atemporal que, en mi opinión, la acerca más a lo artístico. Pero bueno, aunque en mi trabajo predomina el blanco y negro, también utilizo el color, todo depende del tipo de proyecto que haga y lo que quiera transmitir.

¿Cuáles son tus fuentes de inspiración tanto en el mundo de la fotografía como fuera de él?

Supongo que haber visto muchas fotografías, exposiciones, cine y sobretodo ópera durante muchos años habrá influido bastante y en el mundo de la fotografía, hay muchos fotógrafos y fotógrafas que me interesan, es difícil, pero mencionaré algunos: Tina Modotti, Lola Álvarez Bravo, Gabriela Iturbide, Francesca Woodman, Pedro Luis Raota, Paulo Nozolino y sobre todo Duane Michals… No sé, hay tantos y tan buenos que la lista puede ser interminable. Y naturalmente la inspiración también viene de la lectura. Manuel Álvarez Bravo decía que para hacer buenas fotografías: “Hay que leer mucha literatura, mucha poesía, escuchar mucha música y mirar, mirar, mirar…”

Y ya para terminar, ¿podías hablarnos de tus próximos proyectos?

Tengo un proyecto con otro fotógrafo sobre variaciones sobre un mismo tema en el que cada uno aporta su visión y que todavía lo estamos definiendo.
Quiero hacer un cuento utilizando quimigramas, Como he dicho antes, me gusta experimentar con esta técnica, a caballo entre la pintura y la fotografía y que también me sirve para expresar ideas, conceptos, emociones…
Hay otro proyecto que me tiene muy ilusionada, que va a ser en color, que consiste en poner imágenes para un concierto de piano sobre composiciones de Mel Bonis, “Mujeres de Leyenda”. Este encargo es muy especial porque aúna mis dos pasiones. Será largo y acabo de empezar. Espero que el proyecto llegue a buen puerto, porque también depende de otras personas. Y si no, lo haré con gusto para mí.

Muchas gracias Concha por concederme esta entrevista cuya lectura ayudará a muchos a vencer sus miedos a utilizar su propio cuerpo para comunicar sus emociones a través de la fotografía.

English Version

All images © Concha Pascual, all rights reserved. Used with permission.

In this article we will delve into the work of Concha Pascual, a passionate photographer who has emerged strongly in the art scene, challenging conventions and capturing emotions with a unique intensity. With her body as both canvas and subject, and black and white as her primary palette, this artist immerses us in a universe of symbolism and mystery. Each photograph becomes a window into our own inner world, inviting us to reflect and connect with her deeply personal vision.

Join us as we unravel the mystery and beauty of these images that push the boundaries of reality and invite us to contemplate the intersection of photography, art, and individual interpretation.

Interview

What led you to choose photography as a medium to convey your emotions?

I have always enjoyed photography as a mere observer, and my life, for various reasons, has been linked to it. When I was very young, I saw an image appear in the developer tray for the first time, and it seemed like magic to me. When I started studying photography, I did so with conviction, and as I delved into this world, I realized the possibilities it had as a language. I felt comfortable, and I quickly began creating series and using visual storytelling to express myself through it.

What prompted you to choose self-portraiture as a means of expression in your photographic work?

It all started as a game, a game that I enjoyed. It’s a bit like theater. You think about what you want to convey, how you want to convey it, and then you act. I understand that they are considered self-portraits since I am the one appearing in the images, but it could just as easily be someone else. I chose this approach because I have fun with it, and it’s very practical. I don’t depend on other people, and I enjoy working alone. When I take photographs, I know what I want, and when ideas don’t work well and I have to stop, improvise, reflect… working this way makes it easier for me.

What are the challenges and advantages of working with self-portraits compared to photographing external subjects?

As I mentioned, the biggest advantage is that I don’t need other people. And yes, sometimes it’s complicated, but I always see it as a challenge. I find it fascinating to find solutions to doubts, problems, etc. In fact, it’s in these moments that I sometimes come up with solutions I hadn’t even considered, leading to new ideas for other projects. So, I could say that almost everything is advantageous.

What effects does sharing a visual narrative of your life publicly have on you?

In no case negative effects. It’s true that I depict lived experiences in images, but I’m not trying, by any means, to make my work an autobiography in images. In fact, it isn’t.

How do you feel about being both the photographer and the subject of your own images?

I think the answer can be linked to the previous responses. I’ll add that I feel good because it fulfills me, I really enjoy creating the photography I do. It all has a playful nature.

What role does self-reflection play in your creative process?

It plays an important role. I come up with an idea, often based on lived experiences. I assess if I want to convey it, try to see the possibilities it has, and visualize the final outcome. If I decide to proceed, I start thinking about how to do it, when, what I need… Sometimes, through reading, I come across ideas to execute and I ponder their possibilities and how I can materialize them. When an idea comes to me this way, I jot it down in a notebook and sketch it. It’s very helpful to have it on hand always, and even better to revisit it from time to time.

The symbols present in your work can hold multiple layers of meaning. How do you think this affects the interpretation by the viewer?

It’s difficult to know, as I don’t know how others think, and thankfully, not everyone thinks the same. I suppose that when you look at a photograph and take the time to interpret it—which would be desirable—people’s life experiences who observe it come into play. Honestly, I focus on what I want to express and convey, and I would love for the viewer to create their own reading, which doesn’t have to align with mine.

What is your creative process like when planning and creating your photographs?

I don’t complicate things much. Mentally, I decide on the idea and how to execute it. My photographs are straightforward to create. I set up a simple scene, usually with natural light from a large window. I’m very interested in the different atmospheres that can be achieved depending on the time of day and weather conditions. The challenging part comes in post-production. What your imagination visualized doesn’t always come out perfectly on the first try. I dedicate more time to this phase of the process. Another way of planning and creating images, for instance, diptychs, comes from exercises like putting together photographs where I see connections, whether thematic or aesthetic. Sometimes, this leads me to places I hadn’t even imagined. I believe intuition also plays a very important role.

As for chemigrams, a significant part of my work, it’s quite surprising that with simple photosensitive paper and chemicals, abstract compositions can be created—sometimes slightly figurative—and they are primarily based on chance, with unpredictable results. This is what makes it truly interesting. I really enjoy experimenting with different products and materials.

What underlying feeling or idea serves as a common thread in your work?

There are several feelings and ideas, many of them are related to my existence, my relationship with life. There are ideas that I can express better through images than words.

How do you believe black and white affects the interpretation and emotional impact of your images compared to color photography?

In general, I believe it’s easier to grasp the idea or message when the photograph is in black and white because color often distracts. Black and white is more expressive, has more strength, and brings about a timeless atmosphere that, in my opinion, makes it closer to the artistic realm. However, although black and white predominates in my work, I also use color—it all depends on the type of project and the message I want to convey.

What are your sources of inspiration, both within and outside the world of photography?

I suppose having seen many photographs, exhibitions, movies, and especially opera for many years has influenced me quite a bit. In the world of photography, there are many photographers who interest me. It’s difficult to name them all, but I’ll mention a few: Tina Modotti, Lola Álvarez Bravo, Gabriela Iturbide, Francesca Woodman, Pedro Luis Raota, Paulo Nozolino, and especially Duane Michals… Well, there are so many and so talented that the list could be endless. And of course, inspiration also comes from reading. Manuel Álvarez Bravo used to say that to take good photographs, “You need to read a lot of literature, a lot of poetry, listen to a lot of music, and look, look, look…”

Lastly, could you tell us about your upcoming projects?

I have a project with another photographer involving variations on a single theme, where each of us brings our own perspective, and we’re still defining it. I want to create a story using chemigrams. As I mentioned before, I enjoy experimenting with this technique, which falls between painting and photography, and it also serves as a means to express ideas, concepts, and emotions. There’s another project that has me very excited, which will be in color. It involves creating images for a piano concert featuring compositions by Mel Bonis, “Women of Legend.” This commission is very special to me as it combines my two passions. It will be lengthy, and I’ve just begun. I hope the project comes to fruition, as it also depends on others. And if not, I’ll gladly do it for myself.

Thank you very much, Concha, for granting me this interview. Reading it will undoubtedly help many overcome their fears of using their own bodies to communicate their emotions through photography.