40 Ana Priscila Rodríguez

(The English version of this interview is provided below the Spanish version.)

Todas las imágenes © de Ana Priscila Rodríguez. Usadas con autorización.

Las fotografías De Ana Priscila Rodríguez nos seducen con una estética etérea, donde lo cotidiano se convierte en extraordinario y lo efímero se torna eterno. Cada imagen es un puzle que nos desafía a descifrar su mensaje oculto, a conectarnos con las profundidades de nuestra propia existencia. En su universo de magia y simbolismo, los sueños y la realidad se entrelazan, creando un diálogo poético entre lo tangible y lo intangible.

Adentrémonos juntos en este viaje, dejándonos cautivar por la belleza impregnada en cada imagen, descubriendo los secretos que yacen bajo la superficie, y permitiendo que su arte despierte nuestra propia capacidad de soñar.

Entrevista.

¿Qué te hizo escoger el mundo de la imagen para transmitir tus sentimientos e ideas?

   Desde pequeña siempre he querido ser artista, dormía con mi cuaderno y mis  lápices de colores bajo la almohada, nunca he considerado otra opción de vida aunque a veces he tomado decisiones que no han incluido mi pasión por el arte, creo que el crear imágenes para comunicar pensamientos, historias, sentimientos, ha sido algo que no siempre fue mi elección, más bien fue un camino que yo misma me fui obligando a seguir.

¿Cuáles fueron tus referencias.?

   Cuando comencé con la fotografía conceptual me ví muy influenciada por el trabajo de Francesca Woodman y siempre me he sentido muy fascinada por los simbolistas de finales del siglo XIX como George Frederick Watts y Hugo Simberg.

¿Ves alguna diferencia ente el impacto emocional creado al contemplar una imagen y el creado leyendo un libro?

   Yo creo que el impacto emocional es el mismo, es la experiencia lo que hace la diferencia. Un libro es un viaje inmerso y el construir el clímax del impacto es más complejo. Una imagen es un impacto directo a los sentidos y de efecto muy inmediato. El efecto, sin embargo creo que es igual de transcendente e inspirador.

¿Tus autorretratos son una invitación a conocer tu mundo interior o un refugio seguro desde el que interpretar el mundo exterior? Las emociones o los mensajes que los artistas intentan transmitir a través de tu obra son interpretados de maneras muy diferentes por el espectador. ¿qué sientes cuando se crea ese puente mágico entre tu trabajo y el espectador que hace que el mensaje sea comprendido perfectamente?

  Es muy curioso como mi trabajo es visto como “autorretratos”, y lo entiendo puesto que es mi imagen la que aparece en mis obras, sin embargo mi trabajo no es necesariamente acerca de mí, simplemente yo soy el conducto que transmite y ejecuta una historia. Muchas veces las historias que expresan mis imágenes son mías, y en otras ocasiones simplemente me dejo inspirar en historias que escucho o que alguien cercano a mí está viviendo. No importa la fuente de inspiración, mi propósito es darle al espectador un par de elementos necesarios para crear una historia propia. Se puede decir que la historia comienza conmigo pero termina en la imaginación y experiencia de quien absorbe mis imágenes. Es ahí donde se crea ese lazo de comunicación.
Para mí no es importante que la historia sea interpretada de manera exacta, no hay una forma correcta ó incorrecta de interpretar mis imágenes, lo importante es lo que mi trabajo evoca dentro de cada individuo, con todo el pasado, el dolor, la alegría y la experiencia de vida de quien permite que mi trabajo les inspire para hilar sus propias historias. Cuando se llega a dar este enlace es donde considero que mi trabajo ha cumplido su misión y es ahí donde me siento inmensamente satisfecha.

Tu trabajo está plagado de símbolos, ¿Qué papel juega el color como símbolo en tus trabajos?

   El color rojo es probablemente el elemento más importante en mis obras y se ha convertido un poco como mi firma personal. Dependiendo de lo que deseo transmitir, el color rojo puede simbolizar muchas cosas. En general para mí el rojo es la vida, muchos conectan las líneas rojas como líneas de sangre, que probablemente lo sean, sin embargo lejos de evocar violencia, para mí la sangre es otra manifestación de vida, el fluir de emociones, pasiones, angustias, el ir y venir de amores e inclusive el temor de perder esa vida misma.

¿Cómo lo utilizas para crear atmósferas o transmitir emociones específicas? ¿Cuál es la relación entre el sujeto y el entorno en tus fotografías? ¿Hay alguna razón simbólica o conceptual detrás de esas elecciones?

   La atmósfera ó el entorno que utilizo muchas veces es lo primero que me inspira a contar una historia. Soy sumamente sensible a lugares y espacios dentro de mi proceso creativo. Durante la pandemia experimenté un vacío en inspiración por la imposibilidad de cambiar de espacios tanto como yo deseaba, sin embargo de pronto algo sucede, cada pequeño cambio puede detonar historias enormes. Por ejemplo, durante el confinamiento hubo una remodelación en la cocina de mi casa y por una semanas ese espacio fue un cuarto vacío y frío que dio vida a la serie “dancing with demons” y la riqueza en inspiración fue algo que no me esperaba.  Desde entonces siempre recuerdo las palabras de un profesor durante mis años académicos:  “Cuando se carezca de posibilidades físicas, haya escases de materiales o de medios, es imperativo retar el ser artístico forzándonos a crear algo sublime con lo poco que se tenga al alcance.” Desde entonces he aprendido a sacar provecho de cualquier rincón de mi casa y a cualquier lugar que voy. Cada lugar y cada espacio son el comienzo de la historia que me está pidiendo ser contada.

¿Cómo generas ideas y cuál es el proceso creativo detrás de tus proyectos?¿Qué papel juega la planificación y la preparación en tu trabajo? ¿Tienes un concepto sólido antes de tomar la fotografía o prefieres improvisar en el momento?

   Siempre comienzo con una historia, la mayoría de las veces es una historia personal que necesito comunicar, sin embargo es importante que el resultado no sea demasiado personal puesto que la fase final de mi trabajo ya no es acerca de mí, sino acerca de quien experimenta mi trabajo.

Muchas veces tengo una historia en mente que necesito transmitir y la urgencia es tan grande que la planeación resulta torpe, sin embargo siempre dejo que la historia me guíe mientras estoy realizando el material fotográfico.

La realización del material lo describo como si estuviera yo realmente “actuando” la historia que intento transmitir. En mi mente tengo una idea previa, sin embargo es casi en el cien por ciento de las ocasiones, que la visión final es considerablemente distinta, siempre es una sorpresa agradable ver el resultado de un proceso en donde mi ser físico, intelectual y creativo se invierten para formar una serie de fotografías que sea coherente y cuyo concepto siga siendo uno con la historia original.

¿Cuál es la importancia de la postproducción en la creación de tus imágenes?

   Es muy importante. La fotografía inicial es solamente la primera fase de la creación. Le sigue la fase de transformación, que es el arte mismo, en donde se le da a esa imagen su carácter mágico, en lugares mágicos y con elementos que formen parte de ese lenguaje misterioso que tanto me gusta usar en mi trabajo.

¿Qué consejos darías a los espectadores para ayudarles a tener una mejor comprensión de las obras que contemplan?

   Que confíen al cien por ciento en su interpretación personal.
A pesar de que mis series están creadas siguiendo una historia y existe un mensaje conciso, lo más importante es lo que el espectador encuentra acerca de él mismo al interpretar mi trabajo de forma personal.

Y ya para terminar, ¿podías hablarnos de tus próximos proyectos?

   Este año tengo ya algunas cosas seguras y otras que aún no se confirman, pero por lo pronto, estaré participando en una exposición colectiva en el Studio Pulchri en La Haya del 1º al 30 de Julio. Le procede una participación en el Chania International Photo Festival del 3 al 9 de Agosto.
El 19 de Agosto se abrirá mi exposición individual “Threads” en el Studio Pulchri en La Haya y estará abierta al público hasta el 22 de Septiembre.

También estoy trabajando en una colaboración con el músico sueco Peter Olof Fransson y la vocalista estadounidense Dorothy Moskowitz en la realización de un video musical para su último disco sencillo que será publicado este verano.

Después tendré la oportunidad de colaborar con el prestigioso Instituto Cervantes en Los Países Bajos en un proyecto acerca de la tradición del día de muertos, en la que diseñaré un altar para el cineasta español Carlos Saura. Esto será en el mes de Octubre. Los detalles se darán a conocer pronto por medio de la Embajada de México en los Países Bajos.

Y por último, en Noviembre se estrenará el proyecto “Creatures of Power” en colaboración con las artistas finlandesas Sanna Pöyhönen y Kirsi Vahtera acerca del impacto y similitud de la mitología finlandesa en la identidad femenina a nivel global. Esto será en la galería Playroom en Zaandam, Países Bajos del 4 al 19 de Noviembre.

Muchas gracias Ana por concederme esta entrevista. Estoy seguro que, tanto tus imágenes como tus reflexiones, contribuirán a potenciar la importancia de la fotografía como vehículo transmisor de emociones.

English version.

All images © by Ana Priscila Rodríguez. Used with permission.

Ana Priscila Rodríguez’s photographs seduce us with an ethereal aesthetic, where the ordinary becomes extraordinary and the ephemeral becomes eternal. Each image is a puzzle that challenges us to decipher its hidden message, to connect with the depths of our own existence. In her universe of magic and symbolism, dreams and reality intertwine, creating a poetic dialogue between the tangible and the intangible.

Let us embark together on this journey, allowing ourselves to be captivated by the beauty imbued in each image, uncovering the secrets that lie beneath the surface, and letting her art awaken our own capacity to dream.

Interview

What made you choose the world of imagery to convey your feelings and ideas?

   Since I was little, I’ve always wanted to be an artist. I would sleep with my sketchbook and colored pencils under my pillow. I’ve never considered any other life option, although sometimes I’ve made decisions that didn’t include my passion for art. I believe that creating images to communicate thoughts, stories, and feelings was not always my choice, but rather a path that I compelled myself to follow.

Who were your references?

   When I started with conceptual photography, I was heavily influenced by the work of Francesca Woodman, and I’ve always been fascinated by the Symbolists of the late 19th century, such as George Frederick Watts and Hugo Simberg.

Do you see any difference between the emotional impact created by contemplating an image and the impact created by reading a book?

   I believe that the emotional impact is the same; it’s the experience that makes the difference. A book is an immersive journey, and building the climax of the impact is more complex. An image is a direct impact on the senses and has an immediate effect. However, I think the effect is equally transcendent and inspiring.

Are your self-portraits an invitation to explore your inner world or a safe haven from which to interpret the external world? The emotions or messages that artists try to convey through their work are interpreted in very different ways by the viewer. How do you feel when that magical bridge is created between your work and the viewer, and the message is perfectly understood?

   It’s interesting how my work is seen as “self-portraits,” and I understand that since my image appears in my works. However, my work is not necessarily about me; I am simply the conduit that conveys and executes a story. Many times, the stories expressed in my images are mine, and at other times, I simply get inspired by stories I hear or that someone close to me is experiencing. Regardless of the source of inspiration, my purpose is to provide the viewer with a couple of necessary elements to create their own story. You could say that the story starts with me but ends in the imagination and experience of those who absorb my images. It is there that a connection of communication is created.

It is not important to me that the story be interpreted in an exact way; there is no right or wrong way to interpret my images. What’s important is what my work evokes within each individual, with all their past, pain, joy, and life experiences, allowing my work to inspire them to weave their own stories. When this connection is established, I feel immensely satisfied, and I believe that my work has fulfilled its mission.

Your work is full of symbols. What role does color play as a symbol in your works?

   Red is probably the most important element in my works and has become somewhat of my personal signature. Depending on what I want to convey, red can symbolize many things. Generally, red represents life. Many connect the red lines as bloodlines, which they probably are. However, far from evoking violence, for me, blood is another manifestation of life, the flow of emotions, passions, anxieties, the ebb and flow of love, and even the fear of losing that life itself.

How do you use it to create atmospheres or convey specific emotions? What is the relationship between the subject and the environment in your photographs? Are there any symbolic or conceptual reasons behind those choices?

   The atmosphere or environment that I use often inspires me to tell a story. I am extremely sensitive to places and spaces in my creative process. During the pandemic, I experienced a lack of inspiration due to the impossibility of changing spaces as much as I desired. However, suddenly something happens, and even small changes can trigger enormous stories. For example, during the confinement, there was a renovation in my kitchen, and for a few weeks, that space was an empty and cold room that gave life to the series “dancing with demons,” and the richness of inspiration was something I didn’t expect. Since then, I always remember the words of a professor during my academic years: “When faced with physical limitations, scarcity of materials or means, it is imperative to challenge the artistic self by forcing oneself to create something sublime with what little is available.” Since then, I have learned to make the most of every corner of my house and every place I go. Each place and space are the beginning of the story that is begging to be told.

How do you generate ideas, and what is the creative process behind your projects? What role does planning and preparation play in your work? Do you have a solid concept before taking the photograph, or do you prefer to improvise in the moment?

   I always start with a story, most of the time a personal story that I need to communicate. However, it’s important that the result is not too personal because the final phase of my work is no longer about me but about the person experiencing it.

Many times, I have a story in mind that I need to convey, and the urgency is so great that planning becomes clumsy. However, I always let the story guide me while I’m creating the photographic material.

I describe the creation of the material as if I were actually “acting” out the story I’m trying to convey. I have a preliminary idea in my mind, but in almost all cases, the final vision is considerably different. It’s always a pleasant surprise to see the result of a process where my physical, intellectual, and creative self merge to form a series of photographs that are coherent and whose concept remains connected to the original story.

How important is post-production in creating your images?

   It is very important. The initial photograph is only the first phase of the creation. It is followed by the transformation phase, which is the art itself, where that image is given its magical character, in magical places and with elements that are part of the mysterious language that I like to use in my work.

What advice would you give to viewers to help them better understand the works they contemplate?

   I would advise them to have complete confidence in their personal interpretation. Although my series are created following a story, and there is a concise message, the most important thing is what the viewer discovers about themselves when they interpret my work personally.

And finally, could you tell us about your upcoming projects?

   This year, I already have some confirmed things and others that are not yet confirmed, but for now, I will be participating in a group exhibition at Studio Pulchri in The Hague from July 1st to 30th. That will be followed by participation in the Chania International Photo Festival from August 3rd to 9th. On August 19th, my solo exhibition “Threads” will open at Studio Pulchri in The Hague and will be open to the public until September 22nd.

I am also working on a collaboration with Swedish musician Peter Olof Fransson and American vocalist Dorothy Moskowitz to create a music video for their latest single, which will be released this summer.

After that, I will have the opportunity to collaborate with the prestigious Cervantes Institute in the Netherlands on a project about the tradition of the Day of the Dead, where I will design an altar for Spanish filmmaker Carlos Saura. This will take place in October, and details will be announced soon through the Embassy of Mexico in the Netherlands.

Lastly, in November, the project “Creatures of Power” will premiere, a collaboration with Finnish artists Sanna Pöyhönen and Kirsi Vahtera, exploring the impact and similarity of Finnish mythology on the global female identity. This will take place at the Playroom gallery in Zaandam, the Netherlands, from November 4th to 19th.

Thank you very much, Ana, for granting me this interview. I am certain that both your images and reflections will contribute to enhancing the importance of photography as a vehicle for conveying emotions.